TEMA 10: EL MONTAJE (NO ENTRA EN EXAMEN)

 10.1 Introducción histórica  

En los años 30 y 40 se consolidan los fundamentos de la gramática narrativa entendida como montaje. Los fundamentos que a día de hoy siguen como punto de referencia. Esto no debe hacernos olvidar que los nuevos formatos audiovisuales o tipos de productos audiovisuales, han aportado sus propias reglas que llegan en ocasiones a tolerar cualquier trasgresión formal.

 

En estos años de maduración mientras que en Europa continuaba con la compleja línea efectivista, entendiéndola como más expresión que narrativa, más subjetiva con más profundida sobretodo en el cine soviético. Hollywood buscaba la simplificación narrativa, la transpariencia del discurso, es decir, una tendencia opuesta a la del montaje soviético.

 

En Hollywood se podían hacer películas grabando con más de una cámara al tiempo, es decir, obtener varios ángulos para un posterior montaje más afinado. También ha habido más industria cinematográfica, presupuesto y un avance más rápido en todos los sentidos que los soviéticos. Esto llevó a la concepción de tomas maestras a la vez que con otras cámaras grababan otros ángulos.

 

La industria americana fue la encargada de descubrir las transiciones entre planos que marcan cambios de tiempo o de lugar, como también el fundido de cierre y apertura o el desenfoque que crearon convenciones para sugerir el efecto de sueño, de borrachera, desmayo, vuelta al pasado, etc. También surgió el concepto de cámara subjetiva.

 10.2. La naturaleza del montaje 

En términos generales al montaje se relacionan con algunas variables como el momento que elegimos para hacer un cambio de plano o corte y la forma en que se hacen y la velocidad de esta. A un nivel puramente práctico con el montaje se puede crear una suave sucesión planos, se puede eliminar momentos que no tienen importancia o trascendencia, se puede alargar o acortar las acciones.

 

Desde un punto de vista artístico el proceso de montaje tiene muchas posibilidades ya que em función de las decisiones que adopten el montaje tendrña mayor o menor influencia en la respuesta de la audiencia al material emitido. El director como autor. Se necesita conocer bien las técnicas y los procesos de edición para ser un buen realizador de televisión, publicidad o cine.

 

El realizador debe saber de todo y no debe dejarse llevar por los caprichos de un director de fotografía o del de sonido. Obviamente para ser un buen editor o montador lo anteriormente dicho también es válido. Si un realizador trabaja con gente y el guionista con palabras, el editor trabajará con imágenes y sonidos.

 

Por eso hay quien encuentre en la edición el trabajo más puramente audiovisual. Se requiere dominar el lenguaje de la pantalla, tomar un amplio sentido creativo y gusto estético, un buen sentido de la composición y un gran sentido del orden, imaginación, lucidez y oído para la música.

 

Todos estos atributos son los que diferencian un buen montador de un mal montador. El montaje es fundamentalmente de ritmo y consiste en disponer imágenes y sonidos en el tiempo. Un programa bien equilibrado ajusta su ritmo continuamente. Un ritmo rápido constante es agobiante y un ritmo lento es aburrido. El ritmo se logra mediante una suma de factores que son guión, dirección, música, realización, etc.

 

Cuando la fuerza expresiva del producto esté en el sonido generalmente el ritmo visual será más tranquilo. El montador o editor es en cierta manera es el segundo realizador de la obra, ya que su opinión y su destreza serán muy importante a la hora de juzgar tomas válidas y sacar el máxcimo partido a una grabación. Por eso es tan importante el buen entendimiento entre realizador y montador. Pero la última palabra la suele tener el productor. En las épocas de los grandes estudios del cine clásico solo figuras consagradas como Chaplin tenían el control total sobre el montaje.

 

Orson Welles cuando hizo "Ciudadano Kane" tuvo el control pero nunca volvió a tenerlo. Según él echo en falta esta capacidad el resto de su vida. Un vez visionado el material disponible se realiza una escaleta (minutar) con los tiempos o bien se sigue el guión previamente elaborado. En esta fase no solo entra en juego el trabajo consciente sino que también tiene su función el trabajo inconsciente. Aunque eso no siempre es posible, sobre todo en televisión.

 

Dos ejemplos de producción cinematográfica en los que la edición ocupa extremos opuestos son "La Soga" (1948) de Alfred Hitchcok rodada como experimento en un plano secuencia y por otro "Asesinos natos" (1994) dirigida por Oliver Stone en la que la narración se impregna de la libertad expresiva propia del video musical. Otras

películas en las que prima el montaje es "Black Hawk derribado" de Ritley Scott o el desembarco de "Salvad al soldado Ryan". También se observa en el cine de los 60 la profusión de cortinillas y durante los 70 en TVE se generalizó el uso de los zooms de la mano de Valerio Lazarov.

 

Cada formato impone un ritmo que irá desde el más vertiginoso de los videoclips pasando por la publicidad y los programas de televisión hasta llegar al cine donde se puede contar con tiempos más largos pero esta relación no establece reglas inmutables.

 10.3 Tipos de edición  

Tenemos hundidos, encadenados, superposiciones, cortinillas, etc. pero dentro del corte tenemos 3 tipos:

 10.3.1 Corte de continuidad. 

Es un modo de edición simple con el propósito de interrelacionar creando una sensación de continuidad y orden de diálogo ininterrumpido y acción fluida. Es una técnica que busca suavizar y controlar las transiciones El peligro de esta técnica es que aburre. Hay que utilizarla cuando sea necesario, por ejemplo en diálogos, en la explosión de un coche con todos los detalles y en diferentes planos.

 10.3.2 Corte relacionar 

Se vinculan deliberadamente tomas que no tengan una conexión directa, todo ello para crear un paralelismo o contraste. La escena del bautizo de "El padrino" es un ejemplo.

10.3.3 Corte dinámico 

Se trata de transiciones sofisticadas para crear un énfasis dramático o transmitir ideas abstractas como sueños o ejemplos. O también se utiliza para romper la

continuidad.

 

 

10.4 El raccord. La continuidad narrativa   

El montaje debe dar una sensación de continuidad y homogeneidad que se sintetiza con la idea del raccord (enlace en francés) El raccord se define como un cambio del plano insignificante como tal o transparente en el que se preserva una absoluta continuidad de una imagen a otra.

 10.4.1 Tipos de raccord 

• Raccord de mirada. Un plano nos muestra un personaje que mira algo generalmente fuera de campo, el plano siguiente muestra ese algo en primer plano que puede ser a su vez otro personaje mirando al primero. Pueden estar los dos en campo y verse la cara de uno y la espalda del otro y viceversa.

 

• Raccord de movimiento. Un movimiento con una dirección y velocidad determinados se vera continuiado en el siguiente plano con velocidad y direcciones equivalentes.

 

• Raccord de eje. En el rodaje de dos movimientos sucesivos de una misma situación, separados por otra imagen, la cámara se acercará o alejará en relación al primerio siguiendo la misma dirección.

 

Raccord de gestos, de vestuario, de posición, de objetos, de maquillaje, etc. · 

 10.5 Tipos de edición: online y offline  

Las salas de edición profesionales o broadcast tiene un equipamiento muy cara y normalmente suele alquilar para montar un determinado trabajo.

 

Esto significa que cuando se llega a una sala no se puede perder tiempo sin embargo las salas domésticas son más accesibles y baratas por el equipamiento que llevan y esto es lo que marca la diferencia entre una sala online y una sala offline.

 

• Offline es una primera edición o montaje en un formato no profesional como por ejemplo VHS, minidv. Y de esta primera edición vamos a obtener dos cosas. Por un lado un guión de montaje o EDL y por otro lado un master (cinta montada en calidad VHS) en calidad industrial doméstica.

 

• Online, cuando ya tenemos ese guión de montaje se hace la edición online que es la edición profesional. En este caso hablamos de BETACAM, VHPro. Se hace un master en doméstico para ver como quedará el producto final (para enseñarselo al cliente en el caso de un anuncio).

 

Nota Aclarativa: ¿Qué es un EDL o guión de montaje?

 

Son todos los órdenes (punto entrada, punto de salida, cortinilla, duración, código de tiempo) Todo ello grabado en un disquete que posteriormente en un online facilitará el trabajo de edición.

 10.6 Sala de postproducción  

Un sala de edición es la que posee 2 VTR, uno es player y otro es recorder, en esta sala solo se puede montar a corte. La sala de postproducción es aquella en la que se pueden generar efectos como cortinillas, fundadores, encadenados, etc. Para ello es necesario tenr más de dos magnetoscospios.

 10.6.1 ¿Qué es la postproducción?  

Se entiende por postproducción a la producción (grabación y edición) que tienden a hacer más atractivo o eficaz el producto que involucra algún tipo de efecto de imagen o de audio, desde la incrustación de algún rótulo hasta las más complejas imágenes generales por ordenador. La postproducción se utiliza en todas las producciones audiovisuales, por ejemplo vídeos industriales, televisión, spots. La calidad de la imagen fianl depende del equipo utilizado y por ello hay que tener en cuenta el medio en el que va a ser difundido. La calidad broadcast eleva mucho los

costes y no es razonable utilizarla en la realización de un vídeo digital.

 10.6.2 ¿Qué podemos encontrar en una sala de postproducción? 

• Varios magnetoscopios

 

• Una mesa de edición

 

• Una mesa mezcladora

 

• Un DVE (Digital Video Effects) los más sencillos trabajan en 2D y los más complicados suelen hacer efectos en 3D. Pueden hacer variación de color, efectos de agua, rotaciones de imagen, cubos, mosaicos, solarizaciones.

 

• Generadores alfanuméricos, es una tituladora cuyos principales efectos son cut, roll, crawl, redeal (efecto máquina de escribir)

 

• Una mesa de sonido

 

• Equipos de medición (osciloscopio y ventroscopio)

10.6.2.1 Clasificación de las salas de postproducción en función de los equipos que la configuran  

• Sala A/B. Es la más sencilla y funciona por corte tiene dos magnetoscopio y un editor.

 

• A/B Roll. Tiene tres magnetoscopio, es decir dos players y un recorder. También encontramos una mesa editora, un mezclador de video, una tituladora y un DVE.

 

• ABC Roll. Aparecen cuatro magnetoscopios, tres players y un recorder más el resto de equipamientos.

 10.7 Edición lineal y no lineal  

• La edición lineal es aquella que se realiza de magnetoscopio a magnetoscopio la edición lineal requiere más generaciones que la no lineal. Es una edición destructiva.

 

• La edición no lineal es aquella que se realiza con un ordenador. Es una edición no destructiva, es decir, en cada momento tenemos la posibilidad de rehacer cambios, recuperar material desechado en un primer momento, aplicar un efecto y retocarlo a nuestro gusto. Hay otras características que la hacen recomendable frente a la edición lineal como por ejemplo el gran número de efectos que se la puede añadir. También la exactitud en los puntos de aplicación, gran número de campos, corrección de defectos. Sin que la calidad de la imagen se resienta. También es importante el ahorro de costosos equipos y en espacios. El abaratamiento de estas salas de edición no lineal al alquilarlas.